見た目は似てても

チェンバロとピアノはまるで違う。

買ってもほとんど使う機会のないHANONをやってみた。
ピアノでは定番の練習曲集だ。

まずだいいちチェンバロだと鍵盤数が足りないよ〜(-_-;)

それに普段はオールドフィンガリングで弾いてるから、モダンフィンガリング忘れてる！！

とりあえず足りなくなったら折り返すってことで弾いてみたものの、ゆっくりでやっと弾ける程度。

たとえこれがさらさら弾けるようになっても、実践で役に立つものなのかねぇ(-_-;)

5度以上の跳躍はたまに出てくるけど連続することはないし、ピアノ曲みたいにあちこち音が飛ぶなんてことは、スカルラッティやラモーでも選曲しない限りまずない。

17世紀の鍵盤作品を弾いてるぶんにはHANONなんて不要じゃないのかな…

つーか チェンバロでHANONは弾くなってことか！！

新しいこと

本心はやってみたい。
鍵盤楽器以外というか、旋律楽器かな。

でも続ける自信はないかな。

特にモダンのレッスンには、心理的に付いていけない気がする。

「もっと心を込めて演奏しましょう」

とか言われるの嫌だし…

古楽系のレッスンで「感情を込めて」とか「心を込めて」とか、そんなの聞いたことない。

だいいち そんな教え方ないじゃん！

確かに音楽ってそうなりがちだけど、論拠だってあるはず。
ただ感情に流されて演奏するなんてできないよ。

だから もしそんなレッスンだったらかなりショック〜(*_*)
というか やっぱり続けられない。

よい指 悪い指

17世紀の鍵盤音楽を弾く上で、当時の運指法の原則は知っておくべきだと思う。
現代ではあらゆる面で均等化がよしとされるが、400年前はそうではなかった。
5本の指はそれぞれ長さが異なるし、親指に至っては他の4本とは違う向きに付いている。
それぞれの指について能力の均等化を目指すのではなく、むしろ異なる能力をそのまま音楽の中に生かそうと考えていた。

5本の指は「よい指」と「悪い指」に分かれ、強拍には「よい指」を、弱拍には「悪い指」を用いることが普通だった。
ただし、どの指がよいのか悪いのかは地域によって異なるため、作品に応じてよく検討する必要がある。

実際にはアーティキュレーションやフレージングが絡み合ってもっと複雑なのだが、運指を決定する仮定で根底となるのはそこだろう。
現代のように弾き易さがこれらに優先されることはない。

Bachは弾かなーい

自分がバッハを弾かないのはバッハが嫌いだからではない。
かつては大のバッハファン　バッハ狂　バッハ信者だった。
いつもバッハを聴いていたし楽譜もたくさん買いあさった。

宗教論争のようなチェンバロ vs ピアノの争いで、ほとんどバッハに対する興味が失せてしまったのが理由のひとつ。

チェンバロを習い始めていろいろなバロック作品に出会ううちに、バッハの異質さに気づいてしまったのも理由のひとつ。

そう、自分のようなバロックの鍵盤曲を弾く者から見れば、バッハこそ異質な存在なのだ。
他に類を見ないほど独特の構造的緻密性を有する対位的音楽形式。
その異質さからあまりに洗練された近代性すら感じ取ってしまう。
自分の琴線に触れたのはもっと荒削りで武骨な17世紀の音楽だった。

バッハには中毒性がある。
ひとたび接してしまうと他に眼が行かなくなってしまう。
ピアノ弾きがショパンを溺愛するがごとく、

「バッハこそ音楽の原点」
「バッハがわたしのすべて」
「バッハを弾くのがライフワーク」

そんな人が世の中たくさんいるわけで…
だがしかし 自分はそうなりたくないのだ！

あれもこれも

やりたくなるんだよなぁ〜

今やってる楽器の他に、別の楽器も習ってみたい。

時々そんな欲求が湧き上がってくるのさ。
ここんとこおさまってたんだけど、久しぶりにウヅキ出しちまったー。

チェンバロの他にオーボエかビオラを再開しようかなと…

でもやっぱりひとつに集中して極めるつもりでやらなきゃダメかね？

余計なことやる暇があったらチェンバロをもっと練習しとけと…
マジメに通奏低音の勉強するとかね！！

読譜演奏

読んで字の如く、楽譜を見ながら演奏すること。
チェンバロはリサイタルの時も楽譜を見ながら弾く。
レッスンでも暗譜を要求されることはない。

楽譜には演奏の可能性をメモっておき、それを見ながらリアルタイムに演奏計画を変更していくことで即興的な演奏となる。

ピアノでバロックを弾く時もこのテクニックは効果的なはずだけど、暗譜にこだわる人が多いのは残念だな…

考え方はいろいろだけど

結構前になるが、ある新聞に某ピアニストの記事が掲載されていた。
あまりに有名なその人の発言に愕然とするとともに、落胆というかやるせないというか、そんな気分になってしまった。

ひっかかったのは大きく2つ。

★楽器
"モーツァルト時代のピアノは発展途上で、作曲家はより大きな音を求めた。
そういう事情を無視して同時代の楽器で弾きさえすれば、より「真実」に近づけるという考えは安易だ。"

本当にそうだろうか…
確かにヒストリカルな楽器を単に弾くだけでは意味が無ない。
その楽器にふさわしい奏法や演奏解釈なくしては片手落ちだと思う。

ベートーヴェンなんかは常にピアノに不満を持っていたようだ。
５オクターヴの小さな木枠の楽器だからそれは当然かもしれない。
彼の書く曲にはこの小さな楽器からはみ出さんばかりのエネルギーがある。
だからと言って現代のピアノで弾こうと考えるほうが安易な気がするのだ。
現代に生きる我々も彼が感じていた不満をその時代のフォルテピアノにぶつけてみればいい。
現代のピアノは大きな音と引き換えに音色の鮮明さやデリケートなニュアンスの表現を失ってしまっている。
聴きとれないほど微かなピアニッシモ。
壊れんばかりに悲鳴をあげて鳴り響くフォルテッシモ。
どれも余裕のある現代ピアノでは体験できないものだ。


★楽譜
"音楽家が参照すべき唯一の規範は楽譜である。演奏の歴史や演奏家の個性は余計なもの。"

これも納得しがたい話。
というか、未だにこんな考え方をする人がいるとは思いもしなかった。
しかも名の通った世界的なピアニストが言うとは…

楽譜は素材にすぎない。
そこに作曲家の思い描いた音楽がすべて書き込まれているわけではない。
実際の演奏に際しては必ず解釈がつきまとう。
単に楽譜通り弾いても音楽にはならないからだ。
だいいちロマン派の音楽ならいざしらず、それ以前ともなれば演奏者の解釈に委ねられている部分は少なくない。
当時の楽器を使い、当時の演奏慣習を調べ、自分なりに解釈した上で演奏することの何が余計なことなのだろう。


古楽もずいぶん浸透して市民権を得たとばかり思っていたが、思い違いをしていたのだろうか。
あるいは凡人には理解が及ばない高みに達している方のお言葉だからなのか...